夜景拍攝摘要

概述

按字面解釋，夜間的景色就是夜景。當然，一般所說的景色並不包括室內，但室外的景色，則無論是都市、鄉郊、陸地、海上、人物、建築物等，全都可以是夜景拍攝的對像。

夜景的最顯著特點，可以概括為兩個字：光、暗。沒有陽光的照耀，夜景的自然光源差不多只剩月光和星光；與陽光相比，強弱懸殊。因此，除了部份以大自然為題材的拍攝之外，夜景的光源主要是人造光源，這做成了在拍攝場景中，光源強弱不定，色彩多樣，並且伴隨著大量的暗位。而夜景精彩之處，正正在於這種複雜多變、繽紛錯落的明暗分佈。璀璨華燈，令人感受得到都市的繁華喧鬧；陋巷中昏暗的燈影，又可以讓人意會到這繁華背後，尚有多少掙扎求存的故事；— 夜景之美，只在乎你如何取材，如何詮釋，如何演繹。

技術

由於夜景中人造光源主導，弱光攝影自然成為夜景拍攝中首要的技術課題。順理成章，長時間曝光與高感光度拍攝，就是夜景拍攝必須掌握的兩項主要技術；當中尤其以長時間曝光的拍攝技巧較為多樣和複雜。



長時間曝光

1.    穩定拍攝

要做到拍攝穩定，首先想到的當然是三腳架。三腳架的選擇固然多，要考慮的因素也不少，其中最重要的依然是穩定性。表面看來，三腳架是否穩定不難判斷，但實際上不少人忽略了影響穩定性的因素，例如中軸升高、支架未全開，又或者在大風的情況下，都會降低穩定程度。此外，使用時亦需要留意固定腳架的各部份，包括腳點、關節、雲台、快拆板等等。除了腳架之外，其他還會用得着的減震設備有快門線或遙控器等，但在較長時間曝光的情況下，快門開關時產生的震動所帶來的影響相對輕微，因此，即使沒有以上設備，在曝光時間不超出相機最慢快門的情況下，亦可放心拍攝，只要按快門時小心一點就是了。

相機裝上了腳架，改變拍攝位置自然比較麻煩，因此需要作出變動時更要小心，必須做足功夫；因為急於移動相機，隨手將相機在雲台上扭動，不覺間鬆開了螺絲栓的例子廔見不鮮。此外，特別提醒使用快拆板的朋友：攜帶三腳架外拍時請不要忘記把快拆板也一同帶上！

其實要做到穩定拍攝，不一定要用三腳架，只要想辦法將相機固定於結實的位置便行。需要留意的倒是所處的位置是否真的穩定，例如在架空公路的行人道上，重型車輛駛過時就會做成明顯的幌動，即使三腳架如何堅固穩定也沒意思了！

無論採用任何方法固定相機，別忘了在非手持拍攝時關掉鏡頭防震，否則反而有機會造成反效果。

2.    曝光時間

雖然夜景多數在弱光環境拍攝，但很多時還是需要延長曝光時間，以期得到所需效果。要增加曝光時間，最間單就是收細方圏和調低感光度，若然仍未能滿足需求，便得用上ND鏡﹝減光鏡；灰鏡﹞了。由於數碼相機不存在倒易失效的問題，因延長曝光時間而需更改的光圏、ISO設定值，就只要按原有設定的EV等值計算便可以了。

3.    長曝效果

若然說預計拍攝效果需要經驗及對場景的分析，那麼，預計長曝效果則需要更多的經驗和更複雜、更仔細的場景分析，最主要的原因是在快門開闗的這段時間內，感光元件會受到更多、更複雜的亮度變化所影響；你可能要刻意計算長曝中某一光源將要將要出現的時間與位置，也可能要準備隨時阻檔在預計中不應出現的光源。正因如此，長曝拍攝衍生出很多獨特的延伸技巧，例如；搖黑卡、搖鏡、變焦距、變焦點、光繪等等。

4.    特別技術

長曝中光源的變化既可以創製很多有趣的效果，但也帶來不少需要解決的特別問題，當中最典型的，莫如場景中大幅度的明暗落差使單次曝光難以應付。要解決這問題，一般可採用搖黑卡（曾經有人問筆者1/30秒曝光怎樣搖黑卡；一笑），又或者以不同曝光拍攝多幅影像，然後用編輯軟件合併。值得一提的是搖黑卡並非想像中那樣困難，採用的黑卡規格亦非傳說中的嚴謹，只要用上顏色足夠地深、面積比鏡頭大而又不反光、形狀大致扁平的物件就可以了。若然某次你沒帶黑卡，但穿的是深色襪子，不妨脫下來穿在手掌當黑卡搖，效果應該不錯。試想想，偌大的一輛汽車在鏡頭前面經過，尚且可以完全隱型，只在夜景影像中留下燈光軌跡，何況一片略不達標的臨時黑卡？

高感光度

日間戶外拍攝，陽光的反射很多時都足以照亮陰影中的景物，使拍攝出來的暗位，仍然存有相當的細節。夜景由於人做光源微弱，有效照明範圍通常都相當小，距離稍遠便會亮度大降，使到拍攝時難以兼顧明暗落差，加上設定高感光度會增加噪訊，可接受的動態範圍（寬容度）變相收窄，這便要求拍攝時有明確的判斷：哪個是主體？放棄暗部？還是犠牲亮部？

1.    增加曝光

對於主體而言，尤其是人像，一般人都會接受偏亮多於偏暗，加上後製時，只要未至於出現高光剪裁，由光調暗的效果會比由暗調光的來得好。因此，拍攝時不妨偏向加多曝光。但如果使用的是高檔機種，即使ISO過萬，影像質素仍是超凡細膩，當作別論。

2.    選擇感光度

夜景的光源複雜多樣，照明條件變化萬千，選擇甚麼的感光度才適合？低，怕不足以應付；高，又擔心噪訊影響影像質素；尤其是街頭抓拍，情景稍蹤即逝，那有時間考慮這麼多！這可是個使人頭痛的問題。幸而現時的數碼相機，除了光圏先決、快門先決之外，大都設有自動調節感光度功能，這難題便基本上得以解決。設定自動調節感光度，並將可應用感光度設至最高，便不用擔心感光度設得太低了。預設太高沒關係，用不着就是了，反正不另收費！要留意的是，當選擇了自動感光度調節後，即使選用手動（M）模式，相機也會以「半自動曝光」操作拍攝，因而不能達到刻意手動調節的加減曝光效果。

調節色溫

攝影是藝術，藝術充滿主觀。人們對色彩的喜好，是主觀的典型例子，若然影像中不存在某些標準顏色，例如人臉膚色，怎樣的色溫調節才為之正確，無統一標準。夜景中的人造光源色彩繽紛，同一張面孔，左右也會不同顏色，又該如何選擇？加上現時的照明科技五花百門，白熾燈、鎢絲燈已非夜間照明的主流，選擇更加困難。因此，與其不知所措，不如悉隨尊便，先拍幾幅測試，然後按圖、按喜好設定。若然是以RAW檔拍攝、習慣後製編修，事情則更加簡單，先拍後調，優遊自在。

有一點經驗值得分享，就是影像偏色對拍攝後觀測影像時作出的判斷，會做成一定的影響。選用自動白平衡拍攝，一方面省卻不少麻煩，另一方面，對成像的曝光效果較容易取得準確判斷。到底應該預視色溫效果，還是留待後續處理？以RAW檔拍攝的話，可以自由選擇。

 

日落拍攝摘要

概述

要拍好日落，首先要搞清楚一個概念：日落拍攝不等於拍攝落日。日落拍攝，是泛指於日落時分的景色拍攝，影像不必以太陽為主角，甚至不一定要有太陽；最重要是拍出日落時分的氣氛。因此，拍攝日落，既可以用長焦鏡，也可以用廣角鏡；重點既可以是落日，也可以是晚霞；無論是花草樹木、還是鳥獸蟲魚，抑或高樓大道，全都可以配合日落主題。

技術

日落拍攝最明顯的特徵是逆光拍攝，因而測光成為了初學拍攝日落的最大難題。難上加難的，是日落的情景變化很多，甚少重複；今天拍不好，明天重拍可能又要以另一種方式處理。然而這又何嘗不是日落拍攝吸引之處？


測光與取景

日落景色雖然千變萬化，但萬變不離其宗，拍攝之道仍是有跡可尋；重點是判斷太陽與其他景物的光差，因為光差的強弱，除了影響到測光方法之外，亦限制了取景演繹的可能性。

1. 差別極大

應該考慮不把太陽直接納入畫面之中，例如利用景物遮檔太陽強光。用這方法處理之後，剩下的強光源就是太陽附近的天空，或者是四周的雲霞，這些都是適當的亮部測光位置。若然光差仍然太大，不宜表達暗部景物的細節，剪影效果當然是不錯的選擇。選擇作為剪影的景物最好是有型有款，輪廓分明，否則只會拍出漆黑一團，沒意思。如果還是想展示一點暗部細節，可再向暗位測光，若亮部與暗部的光差不超過六級，不妨應用平均測光法，以明暗兩區所測得的平均值曝光。

2. 中等光差

在這種情況下，只要避開太陽，向着太陽旁邊的天空測光，便錯不到那裡去。由於光差不多不少，剪影處理或表現暗部的細節都可嘗試；平均測光法同樣可以派上用場。

3. 差別很少

這種情況最易判斷。當你直望向太陽時，完全沒有刺眼的感覺，就表示其亮度與其他景物的差別不太，這時候，即使正對太陽測光也沒有問題了。

逆光效果

逆光拍攝，可以營造出多種的光影效果。除了剪影之外，眩光、輪廓光，以至讓陽光通過半透明的，諸如葉子、帳蓬等景物，又或者化為滲透於芒草叢中的一片金光，都極具戲劇性，總能令觀者眼前一亮。

調節色溫

日落的色溫處理並沒有必須遵循的標準。有人習慣將畫面滲透一片金黃的暖調，但亦有人喜愛用淒冷的暮色對比血紅的殘陽。

對焦位置

不少初學者以為拍落日時應向太陽對焦，其實在大部份的情況下，都是以前景對焦。太陽，在日落景色中可以是主角，但更多時候是大配角。


其他技巧

1. 漸層濾鏡 – 能有效減低日落場景中明亮天空與其他暗部的光差，使曝光容易取得平衡。

2. 留意反光 – 日落時分光照角度偏低，容易做出強烈的反光效果，無論是海上的粼粼波光，還是馬路上的幾灘積水，在構圖方面的影響不容忽視。

3. 長曝效果 – 若然遇到光線柔和的日落，或者於日落後暮色蒼然之際，可適當應用長時間曝光，諸如雲霧化的海浪、線條化的車燈軌跡等效果，均能豐富日落景色的演繹。

月亮是怎樣拍成的？

天朗氣清，拍攝漆黑天空中的一輪明月，若非用很長焦距鏡頭將月亮填滿畫面，或者有精密的點測光，單靠相機的內置測光表，容易使月亮過曝。到底該如何估計曝光呢？這裡介紹一個最沒痛苦的方法，—— 斷估。

烈日當空時拍攝景物，根據「陽光16法則」，若用 ISO100， 配對 F16 光圏，快門大致是 1/125秒。

月球沒有大氣，表面亮度較強，減一級，用 1/250秒；但這反光傳到地球還是要穿越大氣層，因而加一級，還原1/125秒。

為了拍出皎潔明亮的感覺，白加黑減，加級半，用 F9.5；由於拍攝時月亮位置偏低，亮度較弱，加一級，用1/60秒；為補償空氣污染和鏡頭失光，再加半級，用 F8。

一輪加加減減之後，得出的曝光參數是 ISO100，光圏F8，快門1/60秒。但因為用上了APS-C 250mm 長焦鏡，為防手震，改用1/250秒，光圏不變，仍用F8，將感光度調高至 ISO400。

咔嚓！得咗。

這「斷估」方法看似有點搞笑，其實相當實用，無論是拍攝被日落餘輝照亮的山頭，還是偷拍橫街窄巷中靠近燈光的一張人臉，都可以用得上。

原圖縮小

原圖裁出沒有縮小的一部份

長洲太平清醮 2013

又一次的長洲太平清醮拍攝。這題材無疑已成為了自己每年的必修課，但對攝光寫影來說，卻是首次的「即時」分享，因為攝光寫影是去年中才 面世的。之前每次拍攝回來，都是一大堆的照片，今次當然也不例外，而且有增無減。原因有好幾個，例如多備幾枚電池無後顧之憂、配備了較長焦距鏡頭等等，但 當中最主要的，是本著自古成功在嘗試的心態，不惜冒浪費機會之險，對每年只能一遇之場景，採用一些過去少用的拍攝方法。無他，經歷多年，場景熟口熟面，若 再不求變求新，別說突破，就連舉機拍攝的衝動也沒有了。

拍攝多年依然樂此不疲，顯然易見的原因是當中內容豐富。一般 人只知道飄色巡遊和搶包山，其實整個打醮活動，從迎神、開光、起醮，到祭幽、分包、送神，為期近一星期，當中不乏極具文化特式的表演、儀式及祭祀活動。最難得的是基本上所有活動都 photo friendly，只要不防碍工作進行，任拍唔嬲。「喂！拍乜嘢呀？」之類的說話，少之又少。因此，我每次都是馬不停蹄，一個場景接一個場景地拍；勞累，但暢快！

當初拍攝太平清醮，只因為被其文化特色、繽紛色彩所吸引，但為求與別不同，還是替自己制訂了一個簡單的原 則：別人多拍的，少拍；別人少拍的，多拍。這簡單的拍攝原則，一直奉行至今，不知不覺間成為了一種風格。也許亦因為這原則，慢慢地，在拍攝過程中，透過取 景框，透過拍回來的照片，我從景像的表徵看到了之前看不到的本質。在繁複的祭祀儀式中，我體會到對傳統的尊重；在憨厚迷信的面容上，我感受到對平安的渴求……。某些平時略帶貶義的字詞，似乎也改變了意義：金毛、紋身、反光超，不也是同樣的溫情脈脈地擁着孩子，對着陌生的鏡頭展露真摯的笑容嗎？這些重大的發現，多少增添了堅持多年拍攝的動力。因此，即使近年商業元素日增，民族色彩漸見消退，但我的拍攝意欲卻絲毫未減。況且由於業餘關係，以及種種時間安排上 的原因，還有不少應拍未拍的場景，—— 也有不少拍來拍去拍不好的，總不甘心！

兩天的辛勤，換來兩千多個數碼影像，當中會有多少好作品？別管了！能夠享受拍攝過程，已是很大的得着；能夠感受到長洲居民的樸素與純真、分享他們的喜悅，是更大的得着。至於別人認同的好作品、Facebook上的 Like，就當是錦上添花的 bonus 吧！

再一次的長洲太平清醮拍攝。技術上，我嘗試尋求突破；心底裡，卻仍是惦記著往昔的影像、相似的場景、熟悉的面孔、沒變的情懷。

去年，彷彿只是作天。

耀安邨早晨

 即使簡單平凡的景物，「係咁意」拍，還是經過認真思考地拍，得出的結果也可以有明顯的分別。

春天早晨，近上班時候的馬鞍山耀安邨，榕樹枝椏上的新葉，在昏暗的天色中倍覺青翠；停在一旁的垃圾車，不但沒有大殺風景，反而添加了生活氣息。於是拿出相機，打開鏡頭蓋……

先「係咁意」拍一張。

景物疏離，互不相干，缺乏重心，平淡無味；右方景物雜亂，騎樓與籬笆顯得有點突兀；人物一堆像罰企，近景是大片無謂的空地。

走近一點，再拍一張。

人物有了動態，無謂的空地減少了，但還是找不到重心；人、樹、車各據一方，到底是拍樹，拍人，還是拍垃圾車？右方景物依然雜亂。

再走近一點，重新思考。為了使畫面更集中，完全放棄右方建築物，只保留部份垃圾車以交代其存在；選用「雪糕筒」作前景，使近處不至空虛無謂；然後，等……等待行人適當分佈時才按下快門。

按此構思，把握時機，拍了以下一幅。

耀安邨早晨

相比之前兩幅，景物顯得均衡、充實、有立體感，人物分佈遍及前、後、左、右、遠、近，疏密有致，而且動靜俱備；這當然要靠點運氣，但認真思考的功勞不可抹煞。

整體而然，最後一幅確能重現當時的氣氛。

Kit 鏡走天涯

標題是「Kit 鏡走天涯」，當然要說清楚甚麼是Kit鏡。Kit，是套裝的意思。可換鏡頭的照相機，發售時一般都為用家提供兩種選擇：淨機身或機身連鏡頭的套裝。以套裝型式出售時，配套機身的鏡頭，就稱為Kit鏡。理論上Kit鏡的規格沒有限制，若廠家願意，大可配以高質素鏡頭。但實際上當然還是市場主導，因此Kit鏡的規格一般都只照顧最常用的拍攝需要，以及最普通的質量要求。因此，對一些拍攝要求較高的人來說，Kit 鏡的廣角不夠廣，遠攝不夠遠，光圏不夠大，光學質素不夠好；本來以常用為目標而設的Kit鏡，反而變為用不上手。Kit 鏡走天涯？開玩笑！

誰不知道母親是女人？有多款鏡頭可換，又或者擁有高倍變焦天涯鏡，當然無需以Kit鏡走天涯。然而由於Kit鏡價錢便宜，而且都是原廠配套，對初學者，或者是經濟狀況不大充裕的拍友而言，不失為一個穩妥的選擇。事實上，各大品牌的套裝機長出長有，就足以證明Kit鏡的存在價值。曾經看過一本攝影入門書，當中作者建議刻意練習只用單一焦距拍攝，以培養發掘題材及取景的能力。相比定焦鏡，Kit鏡雖則大都可以變焦，但倍數有限，加以光圏小，使用起來仍是限制多多；由此而論，除了價格低廉、輕巧方便之外，Kit鏡更具備獨有的教育意義，—— 能迫使用者在無可選擇的情況下，集中注意力於其他的拍攝技巧，激發拍攝潛能，使出渾身解數，以有涯拍無涯。

本文選取的照片，全部都是以 Nikon D5000 配 Nikkor 18~55mm f/3.5~5.6 VR Kit 鏡拍攝，屬「低 Kit 單反」配套。筆者特意選取不同題材的照片，希望能或多或少地說明，只要懂得充份利用拍攝條件，發揮多樣的攝影技巧，包括構圖、色彩、用光、意念等等，多加思考，多嘗試不同的取景角度，不同的表達手法，即使拍攝時手頭上只有 Kit 鏡一度，依然可以有多方面的發揮。

攝於長洲太平清醮。場合中景物變化迅速，主、陪體的位置忽前忽後，大光圏景深短，容易顧此失彼；這時用 Kit 鏡不輸蝕，即使全開光圏，廣角端仍有足夠景深。

感光度：ISO 400、光圈：f/4、快門：1/250、焦距：18mm

仍是長洲太平清醮。遠景似有若無地溶入一片漆黑，人物只是剪影，或僅餘依稀可辨的細節；昏暗隱約的冷色調中，浮現兩只泛着橙紅的燈籠，演繹重點在於營造氣氛。

感光度：ISO 800、光圈：f/3.5、快門：1/30、焦距：18mm  

看罷畢加索畫展，離開時看見畫家的大型「搲頭照」，直覺是表現了畫家對觀眾欣賞能力的懷疑，甚至是否定。於是以電梯的欄杆作前景，又重又狠地在畫面中間一劃。

感光度：ISO400、光圈：f/6.7、快門：1/45、焦距：18mm

2011 年 7.1 遊行。近距離拍攝，儘量利用主體遮檔紛雜的背景，但同時刻意保留背後的女孩及較完整的標語，以豐富照片傳遞的訊息；人物的衣着服飾，也能引發觀者的聯想。

感光度：ISO 400、光圈：f/9.5、快門：1/250、焦距：18mm

書展開幕，財政司到場。公眾人物亮相，定必成為目光與鏡頭的焦點，就如戲劇演員一樣。場景中的背景與陪體，與此意念不謀而合，又何須追求大頭特寫？

感光度：ISO 400、光圈：f/5.6、快門：1/180、焦距：55mm

深圳境內沙頭角中英街。一場驟雨，使本來行人熙來攘往的石階展現瞬間的冷清。五星紅旗放到哪裡都能吸引視線，加上扶手的斜線引導，即使人物偏於角落，仍受注目。

感光度：ISO 400、光圈：f/11、快門：1/180、焦距：18mm

退一步，海闊天空。有趣、可入鏡的影像，往往在眾人視線焦點以外。拍攝時保持頭腦清晰，嘗試在同一場合中尋找不同的拍攝主題，不難取得與眾不同的收穫。

感光度：ISO 3200、光圈：f/4.8、快門：1/30、焦距：32mm

為能拍攝到搭棚師傅的自然神態，選用全手動拍攝；光圏、快門、焦距、對焦距離全部預先調好，然後施施然走到竹棚下，舉機即拍。Kit 鏡輕巧方便，抓拍頗適合。

感光度：ISO 200、光圈：f/5.6、快門：1/250、焦距：44mm

以廣角描繪雲霞，以遠攝強調落日，均非 Kit 鏡所長。此照片集中以對比來營造效果：近與遠對比；柔和的互補色背景，與輪廓分明、近乎剪影效果的前景所形成的對比。

感光度：ISO 400、光圈：f/13、快門：1/90、焦距：45mm

三分畫面，井字交點，不外乎一般手法。海與天的質感反差，簡陋的渡頭配襯不堪風浪的小笩；渺小、孤單、淒涼，風雨欲來的氣氛，才是照片趣味之所在。

感光度：ISO 400、光圈：f/11、快門：1/180、焦距：24mm

夜景迷人之處，往往在於明暗交錯。亮部太多或分佈過於平均，都會使照片索然無味。保留充份的暗位，是拍攝夜景的要訣。Kit 鏡抗眩光能力通常較弱，避光取暗有着數。

感光度：ISO 400、光圈：f/11、快門：30、焦距：18mm

採光是重要的拍攝技巧之一。明亮的側後光，既為花貓勾勒出立體的輪廓，也為畫面添上傾斜流動的陰影。貓毛與地面的質感，同樣也是側光的功勞。

感光度：ISO 400、光圈：f/5.6、快門：1/180、焦距：48mm

清晰細緻的近距離前景，不但提供誇張的尺度比例，亦與淡淡的遠山形成對比，有效地加強畫面的深度感，足以彌補 Kit 鏡在廣角端透視效果不足的弱點。

感光度：ISO 200、光圈：f/11、快門：1/90、焦距：24mm

只要有適當的線條及形狀，Kit 鏡也能營造出強烈的透視感。畫面中明確的色彩分佈，有序的明亮燈光，幻變的金屬反光，都能配合透視效果加強視覺衝擊。感光度：ISO 2200、光圈：f/6.7、快門：1/125、焦距：18mm

整個畫面只有三種顏色：藍、白、黒；冷清而且帶點神秘，亦略帶 Lomographic 味道。類似的題材對鏡頭的質素要求不高，Kit 鏡勝任有餘。

感光度：ISO 400、光圈：f/11、快門：1/750、焦距：18mm

用 Kit 鏡拍蝴蝶，輕步緩行，沉跨坐馬、屏息閉氣，艱辛程度比習武紥馬不遑多讓。但原來只要稍為熟悉蝴蝶的習性後，竟可靠近至 Kit 鏡的 28cm 最近對焦距離拍攝。

感光度：ISO 250、光圈：f/5.6、快門：1/250、焦距：55mm 

總的來說，以 Kit 鏡拍攝，有幾個技巧相當實用湊效。

首先是靠近拍攝對像。長焦遠攝固然有其優點，但也容易養懶人。拍攝場合中經常見到手持長焦鏡的拍友，無論景物遠近，他自巍然不動。這樣的拍法無疑最不花氣力，卻浪費機會；假如在人多擠擁的場合，要等到被攝對像與鏡頭之間全無遮擋，也可能要費上半天。Kit 鏡一般體積小巧，機動性強，配合靈活走位，絕對可以出奇制勝。緊記著名攝影師羅拔‧卡帕（Robert Capa）的名言：照片拍得不夠好，是因為走得不夠近。

其次，善用前景。前景能有效增加照片的縱深感，Kit 鏡的光圏一般不大，難以營造虛朦的背景，但前景卻可以，只要距離足夠近。此外，近距離前景亦能誇大尺度比例，從而呈現更強烈的透視效果，某程度可以彌補Kit鏡廣角不夠廣的弱點。若然場景中空空如也，找不到好的前景，可以嘗試低角度拍攝，那怕只是地面上的幾片落葉，也可收神奇之效。

還有的是善用陪襯。鏡頭焦距不夠長，很多時都要被迫拍入更多的景物，然而這未必是壞事。攝影是減法、構圖要簡潔，只是一般而言，總不能老是減得只剩主體。嘗試將取景框中的景物作出合理、具意義的安排，是非常有趣及具挑戰性的事情，當中有着無窮無盡的變化。況且收納景物較多的照片，由於有更充實的內容供觀者細意品嘗，只要配襯得宜，往往比簡單直接的表達更加耐看。

實際上，即使擁有種類繁多的鏡頭，也不可能全部隨身攜帶，拍攝時總有機會受到鏡頭規格的限制。因此，掌握善用鏡頭的技巧，定必受用無窮。

Kit 鏡走天涯，既可視為認真的攝影學習，也可當作是攝影技藝的磨練，絕非玩笑。

演繹光

互聯網上經常都可以見到精彩的照片，不時亦會看到網友對照片的稱讚：構圖巧妙、對焦準確、意境清新、曝光完美 …… 咦？且慢！我們可以看得出照片的曝光是否完美嗎？

曝光（exposure），是指感光元件曝露於光線之程度。若該程度使成像合符要求的，為之正確曝光。多於要求所需的，成像亮一點的，為之過度；少於要求所需的，成像暗一點的，為之不足。從這點而論，正確曝光就是完美曝光。

然而，絕大部份的攝影作品，在曝光成像之後，都會因為不同的理由而需要作出不同的編修。單就與光相關的，常見的就有曝光的修正、反差的調節，以至是因應構圖需要而作出的局部加亮（dodge）或減暗（burn）。這些調整，都使影像中關乎光的展示，或多或少地偏離了原始的影像。—— 呈現於觀者眼前的，只是編修影像對光的展示，反映作者對光線的演繹；是「演繹光」，而非曝光。

或者以下的表達可以說明曝光與演繹光的關係：曝光，是演繹光的的基礎；演繹光，是曝光的延續；完美的演繹光，建基於正確的曝光之上。

下次看到對光線有精彩演繹的作品，不妨修改一下用語：多完美的演繹光！

原始影像以多幅面測光加1/2曝光補償拍攝；看起來較暗，但高光位保留豐富的細節。

後製時略為調光及加強反差，對左面大面積的暗部和貓的不受光位置作出較細緻的影調調控，以保留適度明顯的細節。頂部中間的亮光，以及貓的尾部 亦刻意調暗，避免刺眼，以保證貓右方受光的位置，包括貓樣，成為照片中的亮點。如此演繹是否比原始影像更好，見仁見智，但編修後的影像已不能準確反映拍攝時的曝光，卻是不爭的事實。

攝影構圖漫話 # 9 — 結語

結語

本來打算繼續與讀者探討形、色、美的具體內容，但因為覺得具體二字與文章標題中的漫話並不相襯，於是決定就此完結，稍後另起爐灶討論形、色、美。

從打破法則的疑惑開始，到構圖的定義，到色彩的平反，再到型式美法則的回歸，本文明顯是筆者本人另闢蹊徑的嘗試。寫作構思只源於一個非常簡單的概念：透過比較攝影與其他平面藝術—尤其是繪畫—的異同，以探索攝影構圖的特質。綜合而言，文中提出了幾個與主流意見不大相同的觀點：一、明確指出攝影構圖並不止於取景，正視攝後構圖的存在；二、為攝影構圖還以顏色，建議將色彩與畫面中的形體一併考慮，形與色平起平坐，互為影響；三、主張放棄過度簡化的法則思維，取而代之，以型式美法則作為構圖的基本指導。以上的幾個觀點亦成就了一個副產品：指出很多的構圖法則，只不過是孫悟空眼中的天涯海角；所謂打破法則，其實並沒有跳出美學規律的五指山。

由於文中提及攝影構圖所表現的某些特性，因而亦無可避免地觸及「為何如此？」的問題。在這方面，筆者嘗試以攝影的發展過程來解釋各種現像：一、攝影的普及化導至攝影構圖過度簡單化，以至忽略攝後構圖，忽略美學基礎；二、攝影從黑白開始，因而導至重形體而輕色彩；三、隨著數碼攝影的發展，編修軟件功能不斷提升、應用方便，攝後構圖得以普及，攝影與其他平面藝術在構圖過程方面的差異將會逐步減少。

自問並非甚麼藝術家，攝影功底也不外如是，這嘗試，那嘗試，總的來說，似乎是一個不自量力的嘗試多於一切！然而又有何不可？拋磚，或許能引玉，還望各位讀者不吝賜教，慷慨回應。

即使是簡單的畫面，也同時存在着多樣的構圖元素。若然孤立地看待這些元素，就容易產生錯配，以致削弱構圖的功效；反之，將畫面中的構圖元作全盤考慮，在形、式、美三方面作出適當配合，就可以大大加強照片的表現力、感染力。

【全文完】

攝影構圖漫話 # 8 — 構圖解構

構圖解構

假如攝影是一種語言，那麼這種語言的文字就是形狀與色彩；而每幅照片，都可以是一句說話，以至是整篇的文章。

若 然只將形與色所產生的視覺效果孤立地討論，簡化、法則化，絕對不難：依照點、線、面分門別類，就可以列出關於形體位置、線條、畫面分割與剪裁的各種效果； 將色彩分為色調與色彩對比兩項，再將色彩對比細分為色相、彩度、亮度幾項，已足以將色彩在構圖中的作用說出個梗概。然而，就如語言文字一樣，寫句子不難， 識字便可，但要寫出一句寓意深長的句子，就不容易了！因為胡亂堆砌的文字不足以傳情達意，必須合文法，通文理，要求更高的，還要有文釆，具文氣。構圖的難 處，也在於此。

因此，學構圖不應滿足於「識字」，不可只講形與色，還要懂得美。形、色、美，是構圖的基本結構。

這 裡所謂的美，是指型式美的構成規律，又稱為型式美法則。或許讀者也有類似的經驗：取景時心大心細，應否將上方的樹梢納入畫面？左一點？還是右一點？疏一 點？還是密一點？規律一點？還是凌亂一點？…… 後製時左思右量，光一點？還是暗一點？紅一點？還是藍一點？虛一點？還是實一點？…… 斜線應多斜？曲線應多曲？對比應多強？…… 即使熟讀構圖法則，對各種形、色處理的效果瞭如指掌，但到實際應用之時，往往難下結論。這時候，型式美法則便可派上用場。沿用語言文字的類比：型式美法則 是攝影「修辭」的指引，讓我們知道該怎樣拍，怎樣修，出來的照片才會有「文釆」，具「文氣」。

型式美法則在其他的美 術領域中經常被提及，不知為何，在攝影中卻鮮見系統的論述；大概又是稍不留神，被簡化掉。雖然這套法則有頗多版本，但總的來說還是大同小異，主要是以下的 八對組合：均衡與對稱、漸次與重复、對比與調和、比例與尺度、節奏與韵律、陪體與主体、微差與統調、特異與秩序。

形 式美法則只此八對，相比其他常見的構圖法則，數量雖少，卻最難掌握。因為每對法則都是由對立的雙方組成，強調的只是在兩者之間取得均衡，並不存在徧向於任 何一方的指引。沒有指引，便不可「代入公式」，也不能具體地回答「這一點？還是那一點？」的問題，然而卻明確地指出了十六種能夠體現美的表達方式，以至是 提高構圖表逹能力的方向。例如：左一點，是否更均衡？疏一點，是否更調和？均衡一點，調和一點，是否更適合表逹照片的主題？

「是否更適合表逹照片的主題？」這一問尤其重要。美的標準各不相同，好的標準亦無絶對，唯有表達的主題，自己最有資格搞清楚：是感受？還是趣味？是單純的記錄？還是現像的探討？是美？還是概念？……

以構圖營造感覺，以感覺表達主題，構圖的意義正在於此。嘗試放棄法則主導的構圖思維，改為從表達主題開始，沿着八對型式美法則所提示的方向，以營造最能表達主題的感覺為目標，對畫面中形與色的處理效果怍出考慮，作出安排，便不難找到一片攝影構圖的新天地！

日常生活中經常會遇到不同表現的型式美，有天然的，也有人工的。人工的造型，由於大部份都是經過刻意設計，因此不難從中察覺到型式美的存在。把這些現成的元素的從新安排，進行第二次創作，是攝影中常用的手法。

【待續】

攝影構圖漫話 # 7 — 簡化構圖

被簡化了的構圖

攝影擁有兩個與生俱來的的特性，使它明顯有別於其他的平面藝術，那就是寫實性與科技性。百多年來，攝影隨着時代的發展，這兩個特性又衍生出另外幾個「子特性」：社會性、商業性、普及性。當中，驅使攝影構圖趨於法則化、片面化、簡單化，甚至將色彩忘掉了的，正是其普及性。

誠然，攝影的不一定是藝術家，為顧及普羅大眾的接受能力，將構圖簡化本來無可厚非，但必須要簡得合理。只挑選幾個好使好用的法則，以偏蓋全，反而更加令到初學者感到神秘莫測。可不是嗎？這邊廂洋洋灑灑地大談法則，轉過頭來，那邊廂又教人不可依循法則，但又說不出何時依循，何時不依。找到某些好看的照片，只要是符合法則的，就用來示範依循法則，不符合的，就用來示範打破法則；總之，乜都佢講哂！

「簡得合理？可以嗎？」

「不單只可以，而且並不太難。」

與繪畫相比，攝影構圖是相對地簡單，絶對可以半途出家。（註：這裡指的是一般取景拍攝。至於商業攝影，或者是其他具設計意味的攝影表達，從拍攝到後製，對構圖認識要求之高，可能比繪畫有過之而無不及。）繪畫是無中生有，畫家必須對構圖有充份的認識，才可以準確地在空白的畫布上繪上恰當的形狀、線條，添上合適的色彩，以配合自己的演繹；而攝影，則無需憑空想像，因為觸發拍攝動機的，往往正是眼前景像所包含的，足以達成所需演繹效果的構圖元素，包括形狀、線條、色彩、質感 ……；攝影師最需要的，是懂得如何從中篩選，取捨、變化、強化這些構圖元素。假如將畫家比作是厨師，那麼攝影師就是食家；厨師要烹好一道菜，就要從無到有地處理好每一道工序，而食家，最重要的是「識食」，有品味，能判別出哪道菜式才是佳餚；若然懂得將本來己經美味的菜式再配搭攺良，提升層次，那當然是錦上添花，可以晉升優秀食家之列了！

識煮的多數識食，識食的不必識煮；學習攝影構圖的入門就是要學會「識食」。要「識食」，要成為食家，重要的是要懂得分鹹、甜、酸、辣。說鹽而不講鹹，講糖而不談甜，正是「構圖法則化」容易產生的弊端。要把構圖說得簡單明白，重要的不是各按所好，各取所需地「各執幾件」，而是應該綜合、扼要地指出為何各種構圖方式能夠賦予觀者不同的「味道」—— 感覺。

把感覺二字放在心中，構圖便容易掌握得多。井字法受歡迎，是因為一般情況下人們抗拒呆板，主體偏離中央便能使畫面看起來較活潑；然而對稱法又可以帶出莊重，嚴謹的感覺，廟宇中的神像，帝王的宮殿，不是大多對稱的嗎？其他的位置又如何？例如：靠兩邊、靠上下、靠角落 ……。如此這般，我們學會的將不是法則的稱號，而是如何利用主體位置去表逹感覺。

再看線條。線條的主要作用是引導視線，只要明白了這點，各種線條的特性都不說自明：垂直線引導視線上下移動，所以適宜表達高聳；水平線引導視線左右移動，所以適宜表達開闊；直線讓視線從畫面的某一點直接移到另外一點，所以清脆利落；曲線使視線在畫面上拐彎抺角，因而溫柔婉約；假若畫面上的一個或多個形體能將視線引導，簡接地起着與線條相同的作用，就可以稱為隱藏線 ……。看，就是如此的簡單，只用「引導視線」四字，就說明了如何利用線條來構圖，還需要配上C、S、I、T、V、X，以至其餘的英文字母稱號嗎？

同理，上窄下闊穩定，下窄上闊不穩，眾人皆知，又何須指名道姓地配上正三角、倒三角呢？色彩更不消說，鮮艷亮麗使人雀躍興奮，灰沉暗啞令人感到憂鬱蒼涼，誰人不曉？一個既簡單、重要，而又合理的論點：假若各種構圖法則真的能有效地傳逹感覺，那麼，即使不知道這些法則的存在，也可以感受得到。反過來，即使用上了「法則」，但連自己也感覺不到其作用，不用也罷！

從今天起，看見美景當前，不妨想一想為何會覺得美；當被某攝影作品所感動時，不妨思考一下為何會被感動。有朝一日，當你能清晰地回答自己時，你的構圖功力便有番咁上下了！

花貓的視向引導觀者視線往右移，卻即時遭受照片邊緣的阻截，違反了「視向空間法則」，本應看起來很不舒服。但由於影子有足夠的份量，而且傾斜地向左面延伸，與花貓所處的位置形成隱藏的對角線效果，把觀者的視線拉回來，因而取得了平衡。在此視覺平衡的基礎上，花貓回首一望的姿態，反而增添了觀者對畫面以外的聯想。由此可見，打破法則的背後，還總是有別的法則存在。

【待續】

攝影構圖漫話 # 6 — 還以顏色

還以顏色

「真麻煩！單是點、線、面的構圖方法已是一大堆，現在更要顧及色調，還要攝前攝後 ……」

「色調？噢 …… 對不起，看來要補充一句：需要還給構圖的不單只是色調，而是涵蓋更廣泛的 —— 色彩！」

「！？ ……」

色 調，只是照片中色彩運用呈現出來的主調；例如：偏藍、偏紅、冷調、暖調、高調、低調、明快、陰沉、強反差、弱反差……。除了作為主調，色彩在構圖上還起着 多方面的作用，常見的就有點綴、對比、突顯趣味中心等等。人們對色彩運用的知識，即使不是與生俱來，至少也是在日常生活中學習得來：撞色，說的就是對比 色；襯色，就是運用相鄰色；明暗、反差，調節電視屏幕時就學會了……。色彩對觀者情緒的影響很直接，鮮艷與晦暗所表達的不同氣氛，毋須導賞，絕大部份的人 都會感受得到；反過來，用不着任何攝影指導，人們都喜歡拍攝色彩；「顏色很靚！」，於是就把它拍下來。因此，色彩在攝影中應用之廣泛，比點線面有過之而無 不及。

色彩在攝影作品中被重用，但在攝影構圖中卻鮮有被提及，令人費解。難道是像色調被忽略的那樣，與攝後構圖一起被劃走了？這論點看來 並不成立，因為色彩在其他方面的表現，並不如色調那樣往往需要透過攝後構圖刻意經營，而是在取景框中已經相當顯著：紅牆、綠瓦，藍天、白雲、黃金、翠 玉……，又怎可以視而不見呢？思前想後，得出以下可能的原因。

首先是歷史因素；攝影是從黑白影像開始的，傳統上攝影構圖可以不談色彩。

其 次是因為色彩太重要，所以從構圖中被劃分出來，自成一派；事實上很多攝影書藉都把色彩獨立成章。這樣的處理不無道理，因為若然認真論述起來，色彩比點、 線、面要深奧得多。至少左、右、高、低、直、曲、圓、方，都是我等日常用語，但關乎色彩的專有名詞，絕對超越平民百性的認知水平：色溫、色相、彩度、亮 度、對比色、相鄰色 ……。若嫌未夠，還可以加上一整套的色彩心理學。

構圖與色彩，是一是二？何屬何從？見仁見智。然而筆者還是傾向將色 彩納入構圖之中，為構圖「還以顏色」。這不是純粹遵循字典的解釋，而是從更深入的層面來看，色彩在構圖中比形狀更重要，更根本。照片上所有形狀都是靠色彩 的不同表現「逼」出來的。只有單一色彩表現（相同色相、彩度、亮度）的照片就有如一張顏色圖畫紙，不可能看得出任何形狀；有形無色的構圖，比理論物理所描 述的多維空間還要難以想像。

色彩對畫面構成的作用，在取景框中已是顯然易見，亦往往是驅使拍攝的主要原因，試問又怎可以視而不見呢？用而不宣，有實無名，太不公平了吧！

【待續】

攝影構圖漫話 # 5 — 遺忘色調

被遺忘了的色調
 
何謂色調？大致而言，色調就是照片透過明暗與色彩展現出來的主調。色調對於照片的重要性，絕不遜於替照片架設幾何結構的點、線、面。事實上，誰不曉得分光暗，辨色彩？相比幾何結構，色調更為人所熟悉：火紅的落日、幽暗的月夜、一身雪白的新娘子，於漆黑中踽踽獨行的拾荒者 ……。在這些畫面之中，能有效地牽動觀者情緒的，正是色調。

既然色調對構圖效果舉足輕重，為何竟然會被拒諸門外呢？回答這問題之前，先探討攝影構圖的特徴。

不同類型的平面藝術，由於創作時使用的物 料與工具有別，因而慣用的表達手法各有不同，反映於構圖上，便有各自的特徴。就以攝影與繪畫比較，攝影中的各種鏡頭效果，例如景深、長焦鏡的壓迫透視、廣角鏡的誇張透視等等，在繪畫中都是少有的，——在攝影出現之前甚至可以說是完全沒有。然而，造成攝影與繪畫在構圖上最大分別的並非鏡頭，而是快門；其分別並不體現於結果，而是體現於過程。快門將攝影構圖過程明確地分為兩個階段：按下快門之前，與按下快門之後； 為方便討論，不妨稱之為攝前構圖和攝後構圖。在攝前構圖階段，色調處理基本上只可以透過增減曝光、使用濾光鏡，或燈光佈置；而在攝後階段，則無論是透過暗 房技術或編修軟件，都可在以對色調作出多方面、大幅度的調節。

色調處理在攝前構圖階段的限制，為它在構圖中被忽略埋下了伏筆。然而，最終導至色調被遺忘，則應歸咎於攝影科技對構圖過程所產生的影響。

早於攝影並未普及的年代，攝影師大都是取景、拍攝、沖印、剪裁一手包辦。攝影師所參與的構圖過程是完整的，因此，無論是攝前構圖還是攝後構圖，都得到應有的 重視。但隨著彩色攝影面世，由於彩色照片的沖印技術比黑白照片來得複雜，拍攝與沖印的分工因而愈見明顯，更多的人只專注於拍攝，將沖印編修假手於人。但即 使如此，對較認真的拍友來說，由於最後成品依然被稱為作品，代表着自己的演繹，所以在照片公諸於世之前，還是要通過「自我審查」，確保「過得人，過得自 己」，因此攝後構圖仍然得到一定程度的重視。不過，到了七、八十年代，自動曝光技術趨於成熟，儍瓜機興起，沖印技術急速發展，攝影昂然步進了「3R一 小時快速沖印」的輝煌時代。至此，攝影可說是完全擺脫了攝影愛好者的羈絆，成為眾人皆曉的——拍照。對絕大部份的人—當中包括不少自認對攝影有所追求的拍 友—來說，構圖過程在按下快門的瞬間已經完結了；往後的，就交由沖印店去辦，好壞也不管了！實際上也管不了！

所有構圖處理都必須在按下快門之前完成，這無疑是將構圖與取景劃上了等號。正是如此這般的一劃，便將攝後構圖劃走了，連帶在構圖中擔當重要角色的色調，也被一併劃出了構圖以外！

然而世事多變，不乏峰迴路轉。曾幾何時攝影科技使人忽視攝後構圖，數十年後，時移勢易，攝後構圖又因為攝影科技而重獲新生。——攝影數碼化，為攝後 構圖開創了前所未有的廣闊空間；構圖過程，又再度延伸到按下快門之後。今時今日，攝後編修已經成為不少拍友的規定動作。作為照片與觀眾會面之前的重要工 序，若然編修不理會構圖，構圖不包括色調，那豈不是太不明智，甚至是有點兒OUT了嗎？

在攝後構圖階段改變色調，確有化腐朽為神奇之效。拍攝造詣高超但忽略攝後構圖，是浪費天才；拍攝時不考慮攝後構圖，將會浪費不少可造之材！

未作色調處理的原圖。當時是考慮到左方較亮的雲層配合前景，在後製時應該可以有所發揮，所以把它拍下來。

【待續】

攝影構圖漫話 # 4 — 圖的構成

前文提及，有關攝影構圖的討論中法則充斥，打破法則有若家常便飯，棄用三分法改用對稱法，也被視為打破法則。奇怪的是，為何棄用正常白平衡改用偏藍色調，卻不獲同等看待？

「因為說的只是色調嘛！」

「色調不屬於構圖嗎？」

「色調 …… 屬於構圖嗎？」

問得好！將被攝主體放於畫面不同的位置是構圖技巧，眾人皆知；改變照片的色調，又是否構圖技巧的一種呢？

尋求答案，方法一：統計法。動用Google在網上搜尋「構圖法則」，選取十篇相關的文章，然後點算當中介紹的「法則」有多少關乎色調。結果是 —— 零！

這結果是意料之內，因為印象中攝影構圖文章談論最多的只是點、線、面。點，就是主體位置，雖然相關「法則」不多，來來去去不是黃金分割（或其近親）便是中央，但地位重要，是必選項目。線，就是線條。線條相關的名目頗多，隨手可以列出的有：對角線、斜線、垂直線、水平線、引導線、隱蔵線、S形、L形、T形、X形、十字形 ……。至於面，則分為兩種，一種是幾何圖形，主要是三角形和圓形；另一種是畫面分割方式：垂直、水平、二分、三分 ……。點、線、面、黃金分割，驟眼看來，似數學論文多於攝影文章！無論如何，色調不在討論之列。

尋求答案，方法二：查字典。根據英文字典解釋的大意，composition is a putting together of a whole，意思是將不同的東西組合成為一個整體。請留意，是整體。事實上，我們交英文科composition功課時，都會交出整篇文章，大概不會只交大綱吧？因此，照片的構圖應該是對整個畫面而言，關心的不是只圖的結構，而是「圖的構成」，是整個畫面的構成方式。若用平面美學的術語描述，就是畫面中全部造型因素的總和。

若然構圖是「圖的構成」，那麼畫面中呈現的點、線、面，只是構圖的一部份；主體、陪體，也是構圖的一部份；主體、陪體以外的空間，也是構圖的一部份；前景、背景、色彩、明暗，全部都是構圖的一部份。總之，畫面所有的造型因素，以至它們彼此之間的關係，都是構圖的內容。這亦表示攝影構圖並不局限於按下下快門之前的取景，而應該包括成像之後的剪裁、編修等一系列的造型因素處理。

不同的尋求答案方法，得出不同的結果。哪個對？哪個錯？筆者年少求學時曾經鍾情數學，對幾何圖形略有偏愛，然而更欣賞數學中的邏輯嚴謹，定義明確。難得身為版主，獨裁有理，一於按字典中的定義「釋法」：色調，屬於構圖。

 

同樣的原始影像，三種不同的色調處理。屬優屬劣，見仁見智，卻無碍於展示出色調是構圖 — 圖的整體構成 — 的一部份。

【待續】

攝影構圖漫話 # 3 — 法則偽術

打破法則的偽術

筆者之見，如上文所述的改變色調，不應該被尊稱為打破法則。首先，假如保持正常白平衡不是法則，改變色調當然沒有打破任何法則。但即使它算得上是法則，改變色調，其實也沒有將它打破。因為那只是棄用「看起來較自然」的「白平衡法則」，而改用「令人感覺淒冷」和「有較強戲劇性」的「偏藍法則」而已。這就如某人有兩件款式不同的外衣，同一件穿了好幾天後，改穿另一件，並不表示他多了一件新外衣。真正的打破法則，或多或少要增添一些本來沒有的東西。

「打破法則」與「改用法則」，本質上有顯著分別，但不知為何在攝影討論中卻經常混為一談。日前網友傳來一個專門討論Break the ‘Rules’ of Photography（打破攝影法則）的網頁連結。當中有討論Break the Rule of Thirds（打破三分法則）的，打開一看，示範照片是一幅以對稱法演繹的公路場景，即頗常見的，一條從近到遠至看不到盡頭的公路場景。假如這是打破法則，那是不是可以反過來，找一幅俯拾皆是的三分法示範照，然後對應寫一篇 Break the Rule of Symmetry（打破對稱法則）呢？

看罷該文，再看網頁大標題，竟然有所發現：原來標題中Rules一字被括上了引號。這倒是非常明智的舉措。

法則一詞在攝影中常被濫用，其中關乎構圖者尤甚，差不多凡是應用起來有效的方法，都被升格為法則，「法則」幾乎變成了「方法」的同義詞。於是，建議變了規定，指引成為法律，結果是：攝影新手對著大堆的法則無所適從；老手們卻是無時無刻地以身試法，由朝到晚「打破法則」！

幸而，要擺脫這境況無需出動「人大釋法」，只要根據「立法原意」，將「法則」還原為「方法」便可以了。但願從今以後，大家不用再花氣力去「打破法則」了。三分法就是將畫面分為三等份的構圖方法，對稱法就是將畫面上的形體作對稱安排的方法；各施各法，悉隨專便。

食咖哩魚蛋有很多方法；用竹籤，用叉，用手都可以，毋須「打破法則」。

採用對稱法構圖，並沒有打破黃金分割法則；斜線構圖，沒有打破水平線法則；又直又曲的線條，沒有打破曲線或直線法則；偏暗的曝光，沒有打破正常曝光法則；…… 賣電器的賺錢豐澤，也沒有打破賣體育用品搵食的馬拉松法則 ……

【待續】